El “cine social” siempre debió ser como esto. Alejarse de los aceituneros altivos, las pobreza digna y las putas bondadosas para abrazar la suciedad y franqueza que siempre tuvo el cine negro y asi retratar la avaricia y la rabia que alimentan la condicion humana. The yellow sea no es ejemplar a este respecto porque las motivaciones de sus personajes son confusas o simplemente irrelevantes, pero si lo es en cuanto a su ejecución, nerviosa y excesiva, que retuerce la gramática de Michael Mann a la hora de representar la ciudad en digital y la convierte en un lugar asixiante, horrendo, pantanoso, por el que se mueve el protagonista ese hombre al que todos golpean, poderosos, mezquinos, estupidos, sin que nunca llegue a dar pena. Y entre esas dos horas y media de hachazos, persecuciones, estocadas, ropa harapienta, cacharros sucios, y pensiones de mala muerte que pasan como un suspiro, sobresale el perfil de un hombre sobrepasado y abatido, orgulloso y fuerte, como lo son aquellos que no tienen nada que perder, que hará lo que tiene que hacer y terminará como tiene que terminar porque no hay salida cuando se vive en el país de los hombres malos.
Dr Zito
Una mujer desnuda escribe con un pincel en la boca. El malvado hermano del Shogun le ha cortado las extremidades. Escribe mientras llora sangre. Escribe las palabras «Masacre total». Ese es el punto de partida de la última película de Takashi Miike que ha llegado a nuestras pantallas, la sexta de las 80 que ha rodado y lo hace porque sin duda es la más clásica de su filmografía. Una historía similar a la de Los 7 samurais, una historia de venganza, de levantamiento contra el sadismo de los poderosos que prosigue una estructura clásica: los protagonistas que se reunen, se juramentan, entrenan, formulan un plan magistral que va cumpliendo sus etapas para desembocar en una orgía de 40 minutos de sangre y locura rodada con un virtuosismo y precisión que -boutade alert– hace de 13 asesinos el auténtico blockbuster del verano. Y además, por el camino, Miike nos habla de la necedad de servir a los poderosos y de la necesidad de levantarse contra ellos aunque, tengamos éxito o no, eso nos condene a la demencia. Porque cuando el último samurai esboza su sonrisa final comprendemos que Miike nos la ha vuelto a meter doblada. .
Dr Zito
A primera vista podría parecer que la calculada e implacable venganza que narra I saw the devil conformaría junto con la trilogía de Park Chan-Wook un subgénero propio dentro del thriller coreano. Pero eso no haría justicia a esta brutal, oscura y contundente película de Kim Jee-Woon, porque si en aquellas el saldo de cuentas era un ejercicio cruel pero hermoso y justo, en I saw the devil la venganza es una suma de etapas de ferocidad creciente y desbordada, ambientada en una Corea retratada como un país de psicópatas y asesinos en serie, y que pese a ser deseada por estar dirigida contra un enemigo inhumano va haciéndose más incomoda en cada vuelta de tuerca, convirtiéndose en insufrible en los momentos mas atroces, enroscándose, prolongándose como aconsejan que deben llevarse a cabo las buenas torturas. Así es como estilo y trama se combinan perfectamente en esta fábula sobre el alcance del Mal y lo que deja a su paso cuando nos arrastra, rodada por Kim Jee-Woon con una caligrafía maestra, casi barroca, que va enhebrando set pieces de las de arrancar el aliento (las escenas del taxi y la de la mansión del canibal) hasta su conclusión, un plano azul y desgarrador que nos grita un y ahora, qué.
Dr Zito
El afán de Jose Luis Guerín por mantener una pugna entre ficción y documental llega en «Guest», su último largometraje, con la intención de revelar una obra compleja de recopilación y reinterpretación. A modo de diario de viaje, los elementos azarosos cobran una coherencia en la sala de montaje, salpicados – como la lluvia que amenaza toda la película – por los apuntes de un observador que se sabe capaz de aportar algo de luz a un retrato internacional. Aunque su director no lo quiera, es imposible no pensar en como las almas solitarias de esta obra – primero hombres añorando mujeres, luego mujeres intentando huir de los hombres – están en oposición al Festival de Venecia como lugar donde cierta burguesía discute sobre una «revolución judía» mientras los niños juegan al fútbol entre las ruinas de Samaria. Así, el León de Oro del festival italiano es un ídolo pagano en las alturas, y Guerín desciende con su cámara a ambientes paupérrimos, donde Dios se hace más omnipresente, para concluir su viaje ante un diluvio universal; castigo de lo que Chantal Akerman califica dentro de la película como la idolatría a las imágenes, es decir, el cine como una torre de Babel que pretende ser un puente hacia Dios y termina siendo una perdición.
Henrique Lage
La cuarta película del actor-director Mathieu Amalric readapta la novela La otra cara del Music-Hall (1913) de Colette al mundo del Nuevo Burlesque y lo hace apoyándose en ese concepto de troupe como forma de vida que tanto gustaba y definía a Fassbinder y en el naturalismo nervioso de Cassavetes, para hacer brotar por si mismas las emociones y desvelos de un grupo de mujeres artistas, hermosas y plenas, que sufren la soledad y el desplazamiento, registrando sus actuaciones nunca de manera frontal sino entre bambalinas para así mostrar sus esperas, los tiempos muertos, sus inseguridades, su incertidumbre, mujeres guiadas por el personaje interpretado por Amalric, una auténtica ruina humana, que va comprendiendo poco a poco el alcance de sus derrotas y la necesidad de abandonar sus ambiciones pasadas para poder abrazar otra, la de compartir su vida con un grupo de descastados y marginales al que pertenece por derecho, reunidos todos en un hotel abandonado, metáfora de nuestros propios desastres, antes de volver a la carretera y continuar adelante, porque la vida no es otra cosa. Es seguir adelante.
Dr Zito
Daniel Clowes contraataca desnudo de cualquier ornamento innecesario con una de sus obras más directas. «Wilson» es la culminación de un discurso desesperado y misántropo que hace de la honestidad de sus líneas – narrativas y pictóricas – un excelente recorrido cinético por el periplo de un hombre mediocre. Recogiendo el testigo de sus trabajos anteriores, de los que hereda el gusto por la microhistoria que conjuga un retrato mayor, Clowes encuentra aquí una de sus obras más extrañas e indescrifables, como si el escepticismo le haya llevado incluso a dudar de sí mismo, planteándose hasta que punto el cinismo ha perdido todo valor. Concluye Clowes en la necesidad del misántropo de ver sus suspuestos refutados, en un punto en que la decepción se torna esperanza.
Henrique Lage
Un poor man’s Jason Bourne al servicio de Angelina Jolie, servido con intachable solvencia por el viejo Phillip Noyce, cineasta ya curtido en política-ficción y espionaje de altos vuelos. Y esa solvencia -prudencia si así lo prefieren- se desvela incapaz de alzar un argumento de lo más anacrónico: célula durmiente de agentes del KGB dispuesta a terminar con la supremacía de los USA desde la propia CIA. La sensación de déjà vu es constante, no podía ser de otro modo. Dejando de lado el exhibicionismo físico de Jolie y la embriagadora presencia del gran Liev Schrieber, el único -y aún así muy cuestionable- aliciente está en una serie de action pieces desvergonzadamente deudoras del estilo que Paul Greengrass instauró desde sus films sobre el personaje de Robert Ludlum. Incluso trata de emular aquel tono sombrío y pesimista que cubría «The Bourne Supremacy». Se agradecen, eso sí, una narración fluida y un metraje breve, sólo ensombrecidos por unos giros de guión tan alucinados como la misma premisa del film. Ese retorno imprevisto a los miedos de la Guerra Fría llega a hacerse especialmente irritante, más todavía la posibilidad -eso parece apuntar su conclusión- de una futura secuela.
Mario Vírico
A simple vista, “Toy Story 3: el videojuego” divide su acción en un modo historia y un modo sandbox – ingeniosamente renombrado toybox – pero habría que especificar: el modo “historia” se aleja de la trama original de la película para pasar a ser un relato narrado – y por tanto, modificado y exagerado – de dicha trama, centrándose más en los aspectos imaginados, como la secuencia que abre la película, o en los momentos más triviales, que en el núcleo de acción de su versión fílmica e incorporando elementos coleccionables; mientras tanto, el modo “toybox” acumula misiones ridículamente sencillas, centradas sobre todo en personalizar la ciudad donde tienen lugar dichas misiones y a sus habitantes, y las combina con minijuegos de conducción, vuelo y plataformas de dificultad más elevada y un sistema de recompensas por logros y secretos. Todo ello hace del juego un simpático entretenimiento para los más pequeños y un reto privado para el adulto un poco más exigente, con el mismo espíritu que la película de Pixar transmite, el del puente entre los nuevos sistemas de juego y los nostálgicos de los 16 bits.
Henrique Lage
Con casi total seguridad, The last airbender será el Waterloo de M. Night Shyamalan. Es difícil encontrar otro caso de un director de semejante pedigrí tan empeñado en desintegrar todos sus logros. Donde antes desplegaba un dominio magistral del tempo (Signs), una capacidad para crear imágenes formidables (The Happening) y una profundidad de análisis de personajes destruidos interiormente (Unbreakable) Shyamalan ahora ofrece tan solo un sobado retrato de un mesías reticente a lo Paul Atreides, una estupenda pelea filmada en plano secuencia y una bien resuelta lucha nocturna que en ningún caso justifican un metraje por lo demás inane y que puede verse como un híbrido entre una versión orientalista de The Two Towers (con escenas calcadas del asalto a Helm’s Deep) y un episodio de Las Aventuras de Hércules. Lastrado por el uso de un caduco CGI, por un abuso de las ralentizaciones a la 300, una espiritualidad rechinante y unos personajes bobalicones hasta la náusea, The last airbender encapsula todo lo malo de Shyamalan dejando espacio para muy poco más. Firmado por otro director, el abismo de interés que representa podría dejarnos indiferentes. Pero viniendo de quien viene, se convierte en una ofensa.
Dr Zito
Christopher Nolan ha tenido la posibilidad de estar en el momento adecuado y en el tiempo indicado; convendría entenderlo primero como el icono de auteur británico que sirve a Hollywood de legitimización de sus blockbusters, una forma de justificar cierta inteligencia y talento entre los grandes presupuestos. Pero más allá de ser cabeza de turco, Nolan tiene la malicia de encajar como un guante en ese ambiente: él también parece querer justificarse en cada una de sus películas, ya sea mediante lecciones morales, diálogos autoexplicativos y la tendencia de sus personajes a situarse como arquetipos sospechosamente parecidos. «Origen» no rompe esta tendencia pero aporta algo más interesante: la suficiente habilidad como para entender sus referentes – lo que supone «originalidad» para quién ignora estos – y reciclarlos con cierto estilo para todos los públicos. «Origen» es, como las películas de James Bond, la excusa para hilvanar secuencias con las que impactar a la audiencia, pero hay que reconocer que dicha excusa es lo suficientemente interesante para que la suma de las parte deje cierta impronta pese a la mala adaptación de Michael Mann que hay detrás de cada escena de acción.
Henrique Lage
Hago un alto en el camino en mi glosario de bolsilibros, para hacer acuse de la lectura de la fantástica autobiografía de uno de los papás del asunto, uno de los autores más prolíficos y más queridos de la historia del pulp español y las novelitas de kiosko. Amena, tierna, llena de emoción y nostalgia y a ratos apasionante, aunque con ese estilo directo, con las florituras justas y una prosa correctísima y diáfana como el refranero, la historia de Juan Gallardo Muñoz se inicia en 1929, y atraviesa una infancia de padres ausentes y criado por su abuelito entre Madrid y Barcelona, salpicada de recuerdos difusos pero impermeables de bombardeos, guerras y desbarajustes políticos, hasta desembocar en nuestros días, tristes para el autor (y todo lector), tanto por el zeitgeist (terrorismo, crisis integral… y debacle absoluto de esa literatura popular escrita con cariño que tantas bocas dio de comer), como por el marcadísimo fallecimiento de su esposa, Terenchi, tras 56 años de convivencia a tres bandas: Juan, Curtis y Teresa. Curtis Garland fue periodista cinematográfico precoz y actor de teatro, conoció a docenas de artistas, tuvo una hija, fue meridianamente feliz junto a su esposa. Y sobre todo escribió y escribe. Más de 2000 novelitas pop de toda clase. Escribió lo que no está escrito. Escribió lo que el resto hipamos.
Frunobulax
Ahora que termina la E3 y nos encontramos con periféricos que no nos dejan claro hasta que punto controlamos nosotros o somos controlados por la mecánica del juego, “Loved”, un trabajo de Alexander Ocias, supone un primerizo pero interesante paso en su labor como programador independiente, con el precedente del simpático pero anecdótico “Sonata in Scarf Mayor”. De entro la sencillez intuitiva de las plataformas convencionales, Ocias añade un punto de vista que recuerda mucho a la relación de Chell con GLaDOS en “Portal”, donde una entidad demiurgo, nos manipula a nosotros, poniendo sobre la mesa dos opciones: la obediencia absoluta a sus normas – por contrarias que puedan ser a nuestra predisposición, como lanzarse contra unos pinchos – o contradecir cada una de sus órdenes, en lo que no deja de ser seguir una vía y hacer lo que se espera de nosotros. Así se establece entre nuestro indefinido alter ego y las normas del juego una relación de dominadoy dominante, lo que pone de manifiesto el rol sumiso que desempeñamos ajustándonos a los condicionantes del juego, el verdadero manipulador, y como somos capaz de aceptar unas normas heredadas de juegos más convencionales y oponerse a las nuevas reglas por reflejo.
Henrique Lage
Siendo obra de los principales culpables de cosas como Sex Drive y Accepted que es, no está nada mal, pero como celebración de la inmadurez que se pretende, le falta el ingenio, la gracia y la credibilidad suficientes. Con un poco menos de lo ya muy visto y más de arrojo, inventiva y mala idea estaríamos ante la comedia más molona y libertina del año, en cambio, nos debemos conformar con una divertida pero desgastada parodia de los ritos y maneras de los 80’s y su cultura popular que acierta brillantemente en la caracterización de algún que otro personaje y alguna que otra coña y fracasa alarmantemente en la caracterización de algún que otro personaje (patético, por tópico e inútil, el del gordo adolescente, propio de la ya insulsa y gilipollas comedia nerd actual), alguna que otra coña y, sobre todo, en esos guiños forzados a Back to the Future (exceptuando a ese anecdótico pero genial Crispin Glover). El factor paradoja espacio-temporal es el pretexto para la andanada de chistes güarros, sin mayor relevancia, aparte del hecho de convertir a unos losers cuarentones en sus versiones adolescentes, o sea, literalmente, sin interactuar con estas, que tiene su aquél, con sus detalles de comedia de altura, pero en fin, que sí, que bien, la cosa funciona, aunque a medio gas, unas veces con perfecta fluidez, otras, ni siquiera arranca.
Sergio Colmenar
El corte final de esta enésima revisitación del mito del hombre lobo (o sea, distinto a un remake más del clásico de la Universal, The Wolf Man) editado recientemente en DVD y Blu-ray, incluye unos 15 minutos más que la versión estrenada en cines, que no tengo intención de ver, y es de casi un par de horas que abarcan todas las tendencias lobunas de la mejor Serie B fantaterrorífica, sin pretensiones (no vacila, ni languidece en el intento de inventar nada) y un sentido del espectáculo grato y anárquico (es, probablemente, la película de terror mainstream que más y mejor se enorgullece de su naturaleza puramente gore, que considera parte esencial de la puesta en escena y protagonista absoluta de la acción, explosiva y cuantiosa cuando irrumpe, lo que da una importancia, narrativa, no sólo lúdica, a la violencia mucho mayor de lo que cabía esperar). Supone también una ametralladora de referencias que le sirve de engrase continuo y fusila tanto a los clásicos de terror de la Universal como a los de la Hammer, Joe Dante y John Landis, sin olvidar por el camino algunos guiños pop (Jeckyll & Hyde, Jack el Destripador, Frankenstein…) de agradecer en el retorno al libreto (de bolsillo) de ese siempre cachondo y astuto Andrew Kevin Walker, festín de elementos digerido con rapidez pero con chispa, casi obviando los aspectos dramáticos (romance, relación paterno-filial, etc…) para dar paso a una dinámica y estimulante película de sangre y tripas para amantes fieles y eternos de la Serie B espídica, concebida sin empachos ni excusas éticas de última hora. Sólo puro género.
Sergio Colmenar
Un retroceso jurásico a los almibares del peor cine de terror conservador y aséptico, ese sin esencia, tono, sentido común u orientación; sin nada de nada, ni siquiera sangre. Timo flagrante y punible con un solo aspecto positivo: se autofulimina, casi conscientemente, al reconocerse un puro producto mercantil (remake interesado de un legendario clásico de culto) carente de entidad y propósitos de cualquier índole e incapaz de dañar la imagen de la original y sus secuelas (de las que me declaro fan incondicional de todas, inclusive de la genial Freddy vs. Jason). Un churrote absolutamente subnormal, tan insignificante que se cree riguroso (a así) en su pésimo y pomposo retrato de una adolescencia que no existe (los chavales se comportan como calzonazos de 50 tacos, pero sin cerebro y apenas aparecer en escena). Es también un corrupto desbarajuste que convierte una de las películas de terror más originales y perversas de todos los tiempos en una lacia, impersonal y aburrida nadería. De esta manera tan gilipollas, el animoso y documentado estudio del subconsciente como germen y materia prima del miedo y el horror de la original, queda aquí relegado a la más estricta bazofia convencional. La peor película que he visto en mucho tiempo, y creedme, devoro toneladas de ellas.
Sergio Colmenar
MicroCritic 