MicroCritic
José Peig
Santi Pagés
Frunobulax
Henrique Lage
Mario Cotos Franck
Noel
En los anticipos de «Promoción fantasma» se juntan dos prejuicios: la necesidad de muchos productos actuales de apelar a la nostalgia como reclamo y la inevitable desconfianza por esa comedia española que, si bien está llena de buenos profesionales, no parece funcionar más que a base de francotiradores aislados. Sin embargo, una vez sobrepasada esa barrera y sentado en la butaca, la película consigue mantener el interés en todo momento a base de un ritmo endiablado, más en función de los personajes y de la estructura que del gag, aprovechando muy bien sus recursos para conseguir medir la sonrisa entre carcajadas bien colocadas. Ante lo que podría parecer un producto conservador hay un inevitable riesgo de atreverse a medirse con el recuerdo de otro cine y salir victorioso y renovado: gags tan sutiles como la comparación de Facebook con una Ouija nacen de unos actores en estado de gracia y una voluntad en la dirección y guión de resultar lo más agradable posible al espectador, sin descuidar ningún detalle. El resultado es una «feel good movie» que deja la sensación de una pequeña juerga con los colegas, que invita a hora y media de entretenimiento y se propone la difícil meta de alegrarnos el día en estos tiempos que corren.
Henrique Lage
El “cine social” siempre debió ser como esto. Alejarse de los aceituneros altivos, las pobreza digna y las putas bondadosas para abrazar la suciedad y franqueza que siempre tuvo el cine negro y asi retratar la avaricia y la rabia que alimentan la condicion humana. The yellow sea no es ejemplar a este respecto porque las motivaciones de sus personajes son confusas o simplemente irrelevantes, pero si lo es en cuanto a su ejecución, nerviosa y excesiva, que retuerce la gramática de Michael Mann a la hora de representar la ciudad en digital y la convierte en un lugar asixiante, horrendo, pantanoso, por el que se mueve el protagonista ese hombre al que todos golpean, poderosos, mezquinos, estupidos, sin que nunca llegue a dar pena. Y entre esas dos horas y media de hachazos, persecuciones, estocadas, ropa harapienta, cacharros sucios, y pensiones de mala muerte que pasan como un suspiro, sobresale el perfil de un hombre sobrepasado y abatido, orgulloso y fuerte, como lo son aquellos que no tienen nada que perder, que hará lo que tiene que hacer y terminará como tiene que terminar porque no hay salida cuando se vive en el país de los hombres malos.
Dr Zito
John Le Carré revolucionó el género de espías desarrollando la incómoda idea de que los dos bloques sumidos en la Guerra Fría eran tan crueles, maquiavélicos y despiadados que habían terminado haciéndose indistinguibles. Su lucha se desarrollaba sobe un tablero de ajedrez en el que la lealtad o la sinceridad eran puras bombas de relojería. Un laberinto de cálculos, estrategias y control de la información que destruía vidas e ideales. Thomas Alfredson he entendido a la perfección las ideas rectoras de la prosa de Le Carré y las ha traducido en imágenes aportando al conjunto la elegancia, el tono glacial y la fascinación por los detalles que ya demostró en Let me in. El resultado es una caja china monumental, una miríada de corredores, silencios y pasillos sin salida de los que solo vislumbramos unos cuantos pero en los que uno quisiera perderse e investigar, todo ello vigilado por un Gary Oldman colosal, que tras esas gafas cuadradas y gruesas, escruta, calla, planea y ejecuta. Cine esdrújulo.
Dr Zito
Con Melancholia, Lars Von Trier escarba una vez más en su obsesión con la locura y la relación entre géneros y construye un retablo brillante apuntalado sin pudor sobre dicotomías y opuestos, la mujer solar contra la mujer lunar, Claire y Justine, la una delgada, oscura, familiar, grave, la otra rebosante, rubia, demente, leve, que ejecutan una danza de la muerte, la misma que trazan las órbitas de la Tierra y el planeta Melancholia, de cuya colision el hombre es a la vez verdugo y vícitma, en una nueva oposicion entre el hombre adulto (Kiefer Sutherland), eficiente y racional, y su hijo, inocente y contemplativo ante esas fuerzas incomprensibles e imparables. Óleo de Van Eyck, lienzo de los Prerrafaelitas, nueva visita a El año pasado en Marienbad, oda al romanticismo wagneriano, Melancholia acude al espacio sideral no para ilustrar la aurora de una nueva humanidad como en 2001: Una odisea en el espacio o para intentar reconciliarnos con nuestra contingencia como en El arbol de la vida sino para abrazar la indiferencia cósmica y la fatalidad. Puede que Melancholia no sea más que un capricho manierista, pero lo cierto es que Von Trier ha creado una obra de belleza infrecuente y sublime.
Dr Zito.
El cómic se enfrenta ahora un momento crucial. Con la velocidad de cambio que internet ha desarrollado en los últimos años, lo que antes eran elementos imperecederos ahora caducan con excesiva rapidez y las editoriales viven de crear esos grandes eventos de hype donde prometen que, esta vez sí, nada volverá a ser lo mismo. La última jugada es este reboot de la continuidad de DC, lo que implica la aparentamente sacrílega decisión de dejar a un iconoclasta como Grant Morrison llevar al bendito origen del superhéroe moderno a nuestros días. El resultado es satisfactorio en la medida en la que Morrison sabe mantenerse fiel a aquellas constantes clásicas que funcionan al margen de la época, pero deja ver las entretelas de decisiones poco inspiradas, como las pobres soluciones del dibujante Rag Morales que ejemplifican los vicios actuales. El nuevo Superman es más amenazante y activo como superhéroe, menos mesiánico, y su alter ego más juvenil de lo que el icono merecía, pero quién brilla con luz propia en este primer número es ese Lex Luthor que se prevee como un villano a la altura de estos tiempos tan descreídos. Como lo fue antaño. Y así, todo cambia para que nada cambie.
Henrique Lage
Una mujer desnuda escribe con un pincel en la boca. El malvado hermano del Shogun le ha cortado las extremidades. Escribe mientras llora sangre. Escribe las palabras «Masacre total». Ese es el punto de partida de la última película de Takashi Miike que ha llegado a nuestras pantallas, la sexta de las 80 que ha rodado y lo hace porque sin duda es la más clásica de su filmografía. Una historía similar a la de Los 7 samurais, una historia de venganza, de levantamiento contra el sadismo de los poderosos que prosigue una estructura clásica: los protagonistas que se reunen, se juramentan, entrenan, formulan un plan magistral que va cumpliendo sus etapas para desembocar en una orgía de 40 minutos de sangre y locura rodada con un virtuosismo y precisión que -boutade alert– hace de 13 asesinos el auténtico blockbuster del verano. Y además, por el camino, Miike nos habla de la necedad de servir a los poderosos y de la necesidad de levantarse contra ellos aunque, tengamos éxito o no, eso nos condene a la demencia. Porque cuando el último samurai esboza su sonrisa final comprendemos que Miike nos la ha vuelto a meter doblada. .
Dr Zito
A primera vista podría parecer que la calculada e implacable venganza que narra I saw the devil conformaría junto con la trilogía de Park Chan-Wook un subgénero propio dentro del thriller coreano. Pero eso no haría justicia a esta brutal, oscura y contundente película de Kim Jee-Woon, porque si en aquellas el saldo de cuentas era un ejercicio cruel pero hermoso y justo, en I saw the devil la venganza es una suma de etapas de ferocidad creciente y desbordada, ambientada en una Corea retratada como un país de psicópatas y asesinos en serie, y que pese a ser deseada por estar dirigida contra un enemigo inhumano va haciéndose más incomoda en cada vuelta de tuerca, convirtiéndose en insufrible en los momentos mas atroces, enroscándose, prolongándose como aconsejan que deben llevarse a cabo las buenas torturas. Así es como estilo y trama se combinan perfectamente en esta fábula sobre el alcance del Mal y lo que deja a su paso cuando nos arrastra, rodada por Kim Jee-Woon con una caligrafía maestra, casi barroca, que va enhebrando set pieces de las de arrancar el aliento (las escenas del taxi y la de la mansión del canibal) hasta su conclusión, un plano azul y desgarrador que nos grita un y ahora, qué.
Dr Zito
Puede que «InFAMOUS» sea solamente un sandbox que tuvo la mala suerte de coincidir demasiado próximo a «Prototype», lo que ha relegado su funcionalidad y fama a un segundo plano; pero se puede decir que es un videojuego que ha sabido captar el zeitgeist de su tiempo de una manera como es poco habitual en este medio: aquí se da cita esa ciudad destruída y abandonada como la New Orleans post-Katrina, de sus cenizas surge un héroe cuya popularidad resalta en la apropiación de un artista urbano con aprobado oficial, mientras tanto, la desconfianza se adueña de una ciudadanía que ve como los medios generan propaganda – en una vertiente tan gruesa como las distopías de Verhoeven, aunque desde luego mucho menos divertidas – y los movimientos pidiendo el cambio se corrompen ante la incapacidad para hacer un frente común. Aunque el atractivo de las decisiones morales del jugador es tan simplista y poco atractivo como para repetir un modelo de enfrentamiento con el villano similar a «The night Gwen Stacy died», Cole no es nuestro amigable vecino Spiderman, sino un héroe taciturno y cínico, el héroe de una sociedad que ya no cree en los héroes.
Henrique Lage
Basada en la novela homónima de Dorothy B Hughes y con el bello título hispano de Persecución en la noche, Ride the pink horse es un noir de los buenos que ha sido injustamente olvidado desde su estreno allá por 1947. Ese olvido es injusto porque estamos ante un mecanismo perfecto de cine negro, perteneciente a ese subgénero de noir fronterizos como Touch of Evil y filmado con un nervio y una originalidad sorprendentes, lleno de recursos y con una galería de mujeres fatales y villanos de los que no se olvidan. Todo comienza cuando Gagin, un exsoldado interpretado por Robert Montgomery, que además también dirige, llega a un pueblito de México buscando a un hombre, Frank Hugo, que pronto sabremos poderoso, codicioso y al margen de la ley. Lo que viene después es una persecución, en una dirección, después en otra, que va estrechándose alrededor de Gagin mientras este va exhudando la amargura que le ha dejado la guerra, el sacrificio mal recompensado, la miseria y el abuso de los poderosos antes de encontrar solaz en los pobres y en los sin techo como él mismo. Una pequeña joya para tiempos caniculares como estos.
Dr Zito
El afán de Jose Luis Guerín por mantener una pugna entre ficción y documental llega en «Guest», su último largometraje, con la intención de revelar una obra compleja de recopilación y reinterpretación. A modo de diario de viaje, los elementos azarosos cobran una coherencia en la sala de montaje, salpicados – como la lluvia que amenaza toda la película – por los apuntes de un observador que se sabe capaz de aportar algo de luz a un retrato internacional. Aunque su director no lo quiera, es imposible no pensar en como las almas solitarias de esta obra – primero hombres añorando mujeres, luego mujeres intentando huir de los hombres – están en oposición al Festival de Venecia como lugar donde cierta burguesía discute sobre una «revolución judía» mientras los niños juegan al fútbol entre las ruinas de Samaria. Así, el León de Oro del festival italiano es un ídolo pagano en las alturas, y Guerín desciende con su cámara a ambientes paupérrimos, donde Dios se hace más omnipresente, para concluir su viaje ante un diluvio universal; castigo de lo que Chantal Akerman califica dentro de la película como la idolatría a las imágenes, es decir, el cine como una torre de Babel que pretende ser un puente hacia Dios y termina siendo una perdición.
Henrique Lage
La cuarta película del actor-director Mathieu Amalric readapta la novela La otra cara del Music-Hall (1913) de Colette al mundo del Nuevo Burlesque y lo hace apoyándose en ese concepto de troupe como forma de vida que tanto gustaba y definía a Fassbinder y en el naturalismo nervioso de Cassavetes, para hacer brotar por si mismas las emociones y desvelos de un grupo de mujeres artistas, hermosas y plenas, que sufren la soledad y el desplazamiento, registrando sus actuaciones nunca de manera frontal sino entre bambalinas para así mostrar sus esperas, los tiempos muertos, sus inseguridades, su incertidumbre, mujeres guiadas por el personaje interpretado por Amalric, una auténtica ruina humana, que va comprendiendo poco a poco el alcance de sus derrotas y la necesidad de abandonar sus ambiciones pasadas para poder abrazar otra, la de compartir su vida con un grupo de descastados y marginales al que pertenece por derecho, reunidos todos en un hotel abandonado, metáfora de nuestros propios desastres, antes de volver a la carretera y continuar adelante, porque la vida no es otra cosa. Es seguir adelante.
Dr Zito
Podría describir “Mantra” como una novela tan sincrética y fronteriza como el México que retrata, ese México pop recorrido por ojos extranjeros, buscando aquellos símbolos que identificamos con D.F. y su país, un México soñado como uno de esos ídolos paganos que florecen en las infancias. Entrecortados recuerdos de una mente en declive tumoral, glosarios de influencias que suman una personalidad – quién sabe si de la propia ciudad o simplemente del narrador – y el extraño alivio de un horizonte post-apocalíptico y sardónico. Fresán glorifica la construcción de una ficción: el narrador que pretende llenar los últimos momentos de su vida con el espíritu de un tebeo, una novela trágica o una mala película de luchadores mexicanos; mientras, su objeto de adoración, el tylerdurdeniano Martín Mantra, se dedica a la realización de su magnum opus, la película “Mundo Mantra” que le consagre con la inmortalidad divina. Dos posturas para adaptar la vida a un relato que la sublime, y como fin último ese espectador – ya sea de una pantalla del museo de momias de Guanajuato o de un ring del barrio de Tepito – que alcanzará un éxtasis para liberarse de la angustia del dolor, del peso del recuerdo y la asfixia del deseo, alcanzar, en definitiva, un nirvana.
Henrique Lage
En plena edad de oro del slasher, con los primeros cadáveres dejados por Jason Voorhes aún calientes, el maestro de terror «de a duro» celtibérico Ralph Barby entregó esta estupenda historia sobre un campamento en mitad de la nada, un loco suelto y armado, y un montón de chavales correteando por su vida. En este caso, el campamento (la «granja» del título) es un rehab rodeado de inabarcable desierto en algún lugar indeterminado del sur de EEUU. Acuden allí niños bien, enganchados al «pico», que gracias a la terapia de Charles Manson («no el que liquidó a Sharon Tate«, nos aclaran, sino otro) y a su propia interacción, logran superar cada verano la adicción a la necia droga. Ronald y Margaret Evans no pueden más, y han decidido llevar allí a su drogadizo hijo Alex, a ver si se le pasa la tontería. Pero nada más llegar Alex comienzan a rodar cabezas: un escurridizo tipo vestido de azulgrana, con un capuchón, un hacha y un enorme e insaciable perro llamado Cervero (sic), está eliminando uno tras otro a los internos, con nocturnidad y alevosía, en un frenesí de violencia lisérgica. Resultará que uno de los chicos ha sido poseído por el espíritu de un matarife del siglo XIV llamado Sampson, que no piensa dejar yonki con cabeza.
Frunobulax
Uno de los hitos pulp de la novela popular española de mediados de siglo, fue la colección de El Encapuchado. Creado en 1943 por Guillermo López Hipkiss, y ambientadas sus historias en la ciudad de Baltimore, siempre estuvo a la sombra del gran éxito del momento, el inmortal El Coyote de J. Mallorquí, si bien llegó a tener dos colecciones de novelas, y hasta 80 entregas en total. El Encapuchado es en realidad un millonario fortachón (Milton Drake) que trabaja anónimamente para defender la ley por las noches a su manera, al más puro estilo de Batman o The Spirit, sus referentes más obvios. A su lado está siempre La Antorcha (su esposa Mavis Donovan), y ambos desfacen entuertos para desesperación del comisario Oliver Grimm, incapaz de echarles el guante y adivinar sus identidades reales. «Iblis», la primera de su segunda etapa (1953), estaba claramente dirigida a los fans de la primera racha del personaje, y Hipkiss no se detiene en presentaciones y abusa de referencias a aventuras pasadas. En esta ocasión, nos cuentan que IBLIS, una sociedad misteriosa de adoradores de Satán, está cometiendo asesinatos en la ciudad, y solo Milton y Mavis pueden descubrir su guarida y darles para el pelo.
Frunobulax
Curtis Garland, en mi opinión, se pone demasiado tremendo y épico en esta novela gótica sobre sendos coleccionistas de antigüedades que compiten por las mismas piezas: una terrorífica máscara de plata, y un sarcófago también de plata que supuestamente contiene los restos del Conde Drácula. Los dos apoderados son Basil Bannister y Josuah Silverstein. El primero es un aventurero, que ya en 1880 había conseguido eliminar al Vampiro por excelencia de un estacazo en el corazón, encerrarlo en el sarcófago y enterrarlo, construyendo a su alrededor toda una finca para imposibilitar el renacer de Drácula y su consiguiente maldición sobre la humanidad. Pero el ansia viva de Silverstein por ampliar su colección le lleva a contratar a dos famosos profanadores de tumbas (Burke y Hare), para que roben el sarcófago. Una vez en su poder, y juntos el sarcófago y la máscara, Silverstein se los lleva en su gigantesca embarcación protegida por lanceros bengalíes hasta la India, donde por un error de la tripulación, Drácula vuelve a la vida por enésima vez en la colonia británica de los elefantes y los taparrabos, y la maldición se desata de forma violenta y exótica, con mucho Krishna y olor a pachuli de por medio.
Frunobulax
MicroCritic 