Starman
PJ Tena
spector
Alvy Singer
Noel
Dr Zito
Milgrom
Paco Fox
joseapeig
Portrait
“We are the robots,” cantaban los Kraftwerk. “Wall-E” propone precisamente esa inversión de papeles. “Wall-E” es un nuevo canto a la diferencia y al sentimiento. “Wall-E” es cualquiera de nosotros, acumulando belleza, momentos, a la espera sin saberlo de un amor con quien compartirlos. Al otro lado los humanos, anestesiados, adocenados por su propia estupidez. Y entre medias, el ordenador maligno, el nuevo HAL, que pretende que todo continúe como siempre. Los genios de Pixar dibujan su fábula más sombría hasta la fecha, de fondo casi ballardiano, sobre el que retratan al género humano de un modo muy poco complaciente. Por ello, por contraste, la historia de amor entre Wall-E y EvE no podría ser más excelsa. Porque no es sólo su mensaje ecologista, la maravillosa sencillez de su humor, su estilizada comedia. “Wall-E” nos llama también a que recobremos aquello nos hace fundamentalmente humanos. A amar sin complejos ni miedos. A mirar el mundo por nosotros mismos. A cambiarlo siendo bondadosos con nuestros semejantes.
Dr Zito
Es comprensible que Jonathan Lethem, quizá el autor más representativo de la mal llamada Next-Gen, necesitara escribir una novela liviana y placentera tras ‘La fortaleza de la soledad’. Lo que nadie podría haber avanzado es que ‘You Don’t Love Me Yet’ resultaría también su trabajo más superficial, una comedia romántica sin aparente doble fondo que a su autor le gusta comparar con ‘Friends’, aunque esté más cerca de la retórica de los jóvenes Tom Hanks y Meg Ryan. Su retahíla de críticas manidas al arte contemporáneo supone el primer contacto de Lethem con la obviedad, tan desconcertante que uno quiere creer que el autor utiliza un código que se nos escapa para hablar de algo que no logramos entender. Por desgracia, la verdad es mucho menos compleja que todo eso.
Noel Burgundy
‘Kung Fu Panda’ no se plantea en ningún momento de la cinta hacer guiños para el sufrido padre. Han aprendido, a base de estudios de mercado y psicológos supongo, una lección fundamental: la calificación por edades no sentencia lo adulto de una obra, ni tampoco su grado de transgresión o rebeldía. El resultado es admirable, conciso, con un tempo que parece heredado del anime más frenético y de la belleza formal de las grandes producciones de la Shaw, y no hay malvados dispuestos a redimirse ni a parecernos patéticos, ni un mundo americanizado, más bien una concisa cinta de artes marciales cuyos gags no explayan lo importante: las hostias.
Alvy Singer
El primer corte de “In Ghost Colours” ya sugiere que el segundo disco de Cut Copy va a ser un caleidoscopio, un tránsito continuo y circular desde la psicodelia a lo eléctrico, de lo eléctrico a lo electrónico, y vuelta a empezar. Todos estos colores y sabores se combinan de manera impecable, sin costuras, de tema a tema gracias al uso de cortes intermedios o incluso dentro de un mismo tema (”So Haunted“). Y aunque en los momentos más rockeros, Cut Copy se muestran capaces de tejer con solvencia varias capas de poderosos riffs, el núcleo de “In Ghost Colours” lo conforma sin duda un puñado de hits (”Out There On The Ice,” “Lights & Music” y “Hearts on Fire,” por ejemplo) que en cualquier mundo medio normal arrasarían en las pistas de baile hasta dejarnos sin respiración. New Order, aunque no sólo en lo musical sino también por su la falta de pretensiones estéticas. El electro. Los sintetizadores ochenteros. El techno francés, por supuesto. Cut Copy saben desplegar todos estos referentes e ingredientes desde la normalidad y el resultado es un álbum de optimismo contagioso, auténtico, cálido, arrollador.
Dr Zito
Traslación pluscuamperfecta del espíritu del beat’em up a las 3D con un potencial para crear adicción simplemente terrorífico, ‘The Warriors’ tiene además la virtud de añadir lustre a su fuente de inspiración y potenciar su mitología. Lo de menos es que sus últimas fases calquen de manera obsesiva la película de Walter Hill ganándole incluso en intensidad y furia, algo que por sí mismo bastaría para dar sentido a esta pantagruélica adaptación, ya que lo que de verdad nos deja noqueados es su estructura: la aplicación del in media res (y de los flashbacks desbloqueables) sirve para profundizar en la historia de los Warriors y ampliar el espacio-tiempo narrativo con el que jugó Hill, ahondando en la acción además de en el pasado y las características de cada personaje de tal modo que, tras experimentarlo, la película nos parece menos poderosa de lo que recordábamos. Pero todo eso no valdría de nada si la obra de Rockstar no fuera jugable… y como juego de hostias y pillaje ‘The Warriors’, tanto en el modo historia como en todos sus modos extra, es un juego de hostias y pillaje admirable.
PJ Tena
Australia sabe como rockear duro eso está claro. Tomando como base (y algo más) a los ACDC más rockeros, Airbourne ha lanzado un estupendo disco de debut, lastrado tal vez por la mímesis hacia el grupo de los Young. Pero, lo que está claro, es que han mamado de donde tenían que mamar para que al escuchar sus temas no puedas impedir mover la cabeza. Riffs afilados, voces cazalleras, torsos desnudos, sudor y estribillos totalmente coreables a voz en grito es lo que vamos a encontrar aquí. Nada más. Rock sucio, simple y directo al sistema límbico. Lo mismo que llevan haciendo durante 35 años ACDC, lo mismo que llevan haciendo Mötorhead durante 30. Algo tan sencillo y a la vez tan dificil de encontrar hoy en día. Rock and Roll que no va a salvar el mundo, pero que sirve para dar una patada en la boca a tanta florecilla afectada que se cree que el rock nació y murió con Nirvana, que sirve para demostrar a los apologistas del nuevo revival del rock, que éste no se basa en llevar unos pantalones pitillos y vestir camisetas vintage de Iron Maiden de a 50 €; sino que se basa en coger una guitarra, aprenderse de memoria todos los riffs de Chuck Berry y filtrarlos por 50 años de música rock, poner el volumen al 10 y darle caña. Eso es Airbourne y eso es su disco Runnin’ Wild.
Milgrom
Si, salvando las distancias, ’Atolladero’ es el ‘Apocalypse Now’ de nuestro cine fantástico, ‘Making of’ es su ‘Hearts of Darkness’, su crónica desgarrada de todo lo que fue mal. Óscar Aibar no tuvo a una Eleanor Coppola que dejara constancia in situ de la catástrofe, pero su última novela es capaz de arrastrarnos hasta el centro del huracán, de hacer que sintamos casi en nuestras propias carnes la pesadilla que puede llegar a albergar aquello conocido como la Fábrica de Sueños. El autor estructura su exorcismo en escuetos capítulos (microcapítulos) que, progresivamente, van dando forma a un ‘Jardín de las delicias’ terrorífico y extrañamente divertido. No es casual que en un pasaje onírico coincidan Orson Welles y Paco Martínez Soria: ‘Making of’ es lo que pasa cuando el tren eléctrico más caro del mundo descarrila en la España profunda.
Noel Burgundy
Aquí Joe Dante sentaba determinadas claves personales que más tarde quedarían consagradas bajo la luz de ‘The Burbs’ o ‘Matinee’ y el incomprendido sello industrial que imprimía la deliciosa ‘Small Soldiers’: el juego, la infancia, la amistad… y una inédita y bien medida carga melancólica/nostálgica, que en ‘Explorers’ se erige como pilar de la función, encarnada en el físico del eterno Dick Miller. La idea de que sus tres protagonistas desafíen las fronteras de la realidad con la imaginación como arma principal dice mucho acerca de las intenciones de Dante, quien no puede resistirse a homenajear en clave paródica las drive-in movies sirviéndose de su otro actor fetiche, Robert Picardo. Un film en todo momento evocador y lleno de ingenio y sentido de la maravilla… que por desgracia toma un brusco giro hacia lo decepcionante en su ridículo tramo final, donde el guión de Erik Luke se muestra incapaz de solucionar la aventura en concordancia a la atmósfera previa del film. Un anticlímax en toda regla, que deshonra el esfuerzo y emociones que Dante invierte en sus tres primeros cuartos. Se trata, en cualquier caso, de uno de los trabajos más personales de Dante, como siempre bien vestido de película familiar e inofensiva.
Starman
Una de las películas del año. Vapuleada por las distribuidoras, vilipendiada y malentendida por decenas de críticos wannabe, “Before the devils knows…” es el canto del cisne del decano Lumet y un lobo con piel de cordero. Un film de apariencia canónica noir, sobre atracos, dinero y tullidos morales que, como ‘La Noche es Nuestra’ de James Gray, acaba despojándose de todo los elementos genéricos para mostrar su verdadera esencia, la de una tragedia griega, la de un drama familiar tan demoledor como una patada en el estómago, un drama protagonizado por un padre (Albert Finney) que espera a que su mujer está casi muerta para decirle “te quiero”, por una mujer trofeo (Marisa Tomei, impresionante), por un hermano babyface (Ethan Hawke, increíblemente verosímil como loser), y un hermano mayor, el monstruo supremo (Phillip Seymour Hoffman, colosal). Todos ellos se asfixian en una atmosfera que se va haciendo irrespirable por momentos, en un cenagal de secretos, traiciones, mentiras y silencios. Porque el mal está por todas partes. Unos se aprovechan de él. El resto sólo acaba destruyéndose.
Dr Zito
Alis (Pachi Delgado) tiene una cualidad extraña que para algunos será virtud y para otros defecto: su voz suena en ocasiones como lo habrían hecho la de los Pecos de haber tenido un revival en los noventa en clave indie… o como si Iván Ferreiro les imitara en un arrebato posñoñista. Ahí reside parte de su encanto y de su capacidad evocadora al tiempo que nos sitúa en terreno resbaladizo para los prejuiciosos. En lo musical, es innegable su facultad para crear atmósferas y conseguir canciones que parecen flotar en el espacio o en el fondo del océano, recorriendo sendas eléctricas que nos llevan de lo íntimo a lo épico en cuestión de tres minutos. Son continentes perfectos que se ajustan lubricados a unos textos que hallan en el minimalismo su razón de ser y al mismo tiempo su mayor lacra: a los fans de los retruécanos dramáticos algunas letras les sabrán a prosaísmo sólo porque se entienden a la primera escucha. Molesta su envoltorio de pack para fans en potencia, con sólo 9 temas nuevos acompañados de versiones y cortes en directo, pero es un disco que crea adicción. Palabra de MicroCrítico.
PJ Tena
Escuchar el nuevo álbum de Portishead ha sido la experiencia más irritante que este microcrítico ha tenido que sufrir en mucho tiempo. Casi tanto como escuchar a Jimenez Losantos tomándoselo en serio. Y es que los de Bristol han construido un conjunto de canciones sobre la base de la acumulación de estructuras ampulosas, de la confusión entre complejidad y profundidad, y sobre la arrogancia de quien se cree capaz de manejar mecanismos emocionales sin serlo. Beth Gibbons, supuesta musa de los indies con corazoncito, se esfuerza en aportar su pasión marca de la casa, y el resultado termina siendo más falso que una moneda de tres euros. “Third” convierte lo atormentado en farsa. “Third” es la impostación del sentimiento, porque suena a como los Portishead creen que suenan los sentimientos arrebatados, o aún peor, a como los Portishead creen que sus seguidores creen que suenan. No obstante, “Third” raya en lo aceptable cuando se acerca a lo electrónico (”Nylon Smile“) y alcanza lo notable cuando decide entrar de lleno en ello, como en el tema “We carry on,” aunque sólo sea porque masacra sin misericordia a los Silver Apples. Queda claro pues el significado de la portada de “Third“. P de pretencioso.
Dr Zito
“Tropa de Élite” disecciona con verismo inmisericorde los tejemanejes del tráfico de drogas en el marasmo de las favelas de Rio de Janeiro, en este caso desde el lado de quienes luchan contra él. Para ello, José Padilha, su director, tomó el libro homónimo de André Batista, exmiembro de un cuerpo cuasimilitar antidroga, como punto de partida. Y aunque el texto de Batista sea el sine qua non de “Tropa de Élite,” esa es también su principal rémora. Padilha adopta la voz en off como eco de la obra que adapta y abrasa al espectador con la continua narración de los estados interiores del Capitán Nascimento, trasunto de Batista en la ficción. Una lástima, porque al margen de esos fragmentos tediosos, Padilha utiliza su bagaje en el documental para construir una obra de hiperviolencia política y de músculo visual innegable, con momentos de horror fantasmagórico, como el combate en las ruinas urbanas (profecía de las guerras del futuro) y otros esperpénticos, casi berlanguianos, en los que la corrupción policial generalizada queda al desnudo. Padilha además dispara en todas direcciones. A la podredumbre de un sistema que criminaliza al pobre y que responde a la violencia solo con violencia aún más extrema. Pero también, y esto es novedad, a unas clases ricas que desde una progresismo hipócrita se vanaglorian de su preocupación por los problemas sociales mientras que al mismo tiempo los fomentan con cada raya que atraviesan en su pituitaria.
Dr Zito
Usher Raymond IV tiene un problema: él quiere ser Marvin Gaye, pero interpreta canciones que parecen hechas para pipiolos como Chris Brown. No deja de decir que este es un álbum que habla sobre la madurez, sobre su paso de niño a hombre, pero la credibilidad salta por los aires cuando se escuchan temas como el primer single, ‘Love in this club‘ (el peor sencillo inaugural de su carrera si exceptuamos el de su disco debut en 1994) o ‘What’s your name’, descaradamente orientados a (intentar) reventar las pistas de baile. Pero no todo está perdido: hay otros que sí se ajustan a esa intención de crecimiento y que funcionan como apuntes de lo que podría dar de sí Usher si dejara a un lado los fillers y la búsqueda a toda costa de posibles hits. Así, ‘Here I stand’ y ‘Will work for love’ son temas que deberían ser la línea a seguir y no estimables excepciones en un álbum en el que se podrían haber prescindido tranquilamente de demasiados cortes. En un término medio se encuentran ‘His mistakes’, ‘Something special’, ‘What’s a man to do’ o ‘Moving mountains’, que aciertan moderadamente a la hora de congeniar calidez con la pura mercadotecnia, algo a lo que, como mínimo, debería haber aspirado esta obra por completo.
PJ Tena
Un típico pueblecito norteamericano trata de hacer frente a la amenaza de unos murciélagos mutantes con ganas de comer carne humana. El sheriff de la ciudad y una especialista en quirópteros tratarán de acabar con tan peliaguda amenaza…
Cuando la serie B se disfraza de superproducción cargamos contra ella por su temerario descaro. “Mucho ruido y pocas nueces” o “para este viaje no hacían falta tantas alforjas” se suele decir. A veces con más mala leche de la necesaria. Cuando uno se enfrenta a ‘Bats’ no puede evitar sentir una innegable simpatía por un producto que nunca intenta ocultar lo que es: una clásica y perfectamente ensamblada peli de monstruos con aroma, tacto y presencia de la serie B más clásica y necesaria. La que sólo busca ofrecer ochenta minutos de entretenimiento pseudo-terrorífico.
‘Bats’ es una película ejemplar en cuanto a ritmo y diversión (con el apetitoso extra de estar protagonizada por Dina Meyer), que va al grano y no reniega de ni uno sólo de los tópicos de las pelís de género, los cuales integra en la historia con una fluidez y un sentido del humor entrañables. Serie B, sin complejos para gente sin complejos capaz de disfrutar de una buena carnicería de murciélagos carnívoros.
Como curiosidad añadir que el guión es de John Logan, luego popular gracias a los libretos para ‘Gladiator’ o ‘The Aviator’. Y encima sale Lou Diamond Phillips…
Spector
Una vez más, nos encontramos con otra propuesta fallida en el cine de terror patrio. Isidro Ortiz, en las labores de dirección, junto con Hernán Migoya, Alejandro Hernandez y Jose Gamo y el propio Ortiz al guión, se muestran incapaces de, al alimón, contar una historia. Un guión fallido cuya base argumental, donde reside el elemento terrorífico, está demasiado rebuscada y se antoja gratuita, como buscando epatar con una idea sorprendente, pero que no deja de ser artificiosa e inverosímil en su planteamiento. La excusa del personaje principal, aquejado de una enfermedad que le impide la exposición al sol e interpretado por un hiperventilado Junio Valverde, es prácticamente irrelevante para la trama de la película, al igual que la figura del padre ausente, fallida en su voluntad de generar tensión dramática. Y de igual modo, el supuestamente sorprendente giro final, es previsible y, cuanto menos, imbécil.
Además, los evidentes errores de montaje, en los que se repiten planos de transición, gratuitamente (como el plano idéntico de unas ovejas que se repite con apenas 1 minuto de diferencia) crean el efecto contrario al que pretenden, es decir, ni asustan, ni crean el suspense necesario para sumergirnos en la atmósfera de la película , alejándonos de ella.
En resumen, una pelicula avergonzante y vergonzosa en una gran parte de su metraje, que no sabe si jugar con las convenciones del terror, el slasher, el thriller rural o la comedia; y, donde la aportación dramática de los personajes aparece como de manera gratuíta, y que peca de los mismos errores que el corto de un estudiante mediocre de la ESCAC. Y eso, en una película seleccionada para la sección Panorama del Festival de Berlín, no debe pasarse por alto.
Milgrom
