Es triste, pero son extraños los casos recientes de cineastas de calibre que replieguen con lógica y consideración el cine de acción tremebundo y exploitation de los 80 y 90. Por suerte, uno de esos casos sobresale del (moribundo) resto, el dueto Neveldine/Taylor: salvajes, retorcidos, dementes y amantes de la excusa prefabricada, la violencia grotesca y el collage de conceptos absurdos. Gamer es su nuevo zambombazo, y el más alambicado y fantasioso de ellos, que no el mejor. Disgregación del formato cinematográfico a través de CF barata, machista, videojueguíl y tecno-apocalíptica; perversión descosida del corporativismo y sátira confusa pero monumental de los poderes facticos de la ambición. Gamer es soberbia, irascible, hipervitaminizada y ácrata a nivel formal, con delirios propios de cualquier Serie Z de coproducción europea de los 80 con protagonista hercúleo, pero palidece en un tramo final indigno de una primera hora magistral, optando por la solución rápida y resultando desastrosamente plana y convencional. Con todo, Gamer es uno de los títulos más conseguidos y disfrutables de los estrenados este año en nuestro país, en cierto modo, emprendedor y legítimo en el cine violento y de acción comercial coetáneo.
Sergio Colmenar
No deberían existir signos de preocupación en la espera de un nuevo álbum del mejor grupo de metal-core del planeta; la recompensa siempre consigue colocarse por encima de las expectativas. Tras el brutal Supremacy y Fort the Lions, su álbum de versiones, Hatebreed, en Hatebreed, su nuevo álbum, lejos de prolongar los inagotables ritmos intrincados y generalmente muy agresivos de Supremacy, remodela éste filtrando los logros más destacables de su mítico The Rise of Brutality, acentuando el ramalazo punk, el hardcore Old School y una hondura metalera de pura sangre evidente, hasta ahora inusual en el grupo, y trallazos como Hands Of A Dying Man, Every Lasting Scar, As Damaged As Me o Undiminished (un instrumental) así lo atestiguan. El resultado es una puta obra maestra cuya alegre versatilidad deglute con personalista y original habilidad influencias muy marcadas de punteros del metal alternativo como Suicidal Tendencies o Slayer. No es recomendable, es imprescindible.
Sergio Colmenar
Steve Buscemi quiso subyugar en su terreno las bondades de un clásico oculto y paradigmático del cine independiente holandés reciente, el Interview del asesinado Theo Van Gogh, Theodor Holman y Hans Teeuwen, y lo hizo con un remake fiel a la lucidez, al retorcido juego de espejismos y la ambivalencia moral de aquél, sin desmerecer de unas marcas y patentes puramente americanas y discurriendo, de paso, las miserias de la industria editorial y los mass media a través del choque coyuntural de personalidades entre los dos únicos protagonistas de la película, regidos por la competitividad de sus profesiones que ha terminado por condicionar sus vidas hasta deformarlas, incluso destruirlas. Con las palabras siempre por encima de la imagen, el Interview de Buscemi consigue elevar la entidad de su director y guionista de la mera aproximación a una retórica en vías de extinción: agenciarse las ideas ajenas que uno ama y respeta por motivos incluso personales para hacerlas propias, propias de verdad.
Sergio Colmenar
Estos últimos años, Grant Morrison se ha dedicado a escribir para las majors del comic USA. No por casualidad, al tratar personajes icónicos con tanto trasfondo y connotación, sus historias han ido adquiriendo una mayor complejidad narrativa; recurriendo a la elipsis, a la insinuación de innumerables ideas -cada detalle de la viñeta es relevante- y a la complicidad con el lector. Del mismo modo, ha potenciado esa intertextualidad y esa autoconsciencia que ya sabía manejar tan bien. En Batman R.I.P. confluyen la mayor parte de sus virtudes: su gusto por la maduración e integración de conceptos estrafalarios e ingenuos de los años 50, el manejo de varios niveles de realidad tanto dentro como fuera -los subtextos- de la ficción, la reinvención del tópico a base del golpe emocional, unos diálogos excepcionales y cierto toque metalingüísitico. Dicho de otro modo, Morrison consigue mezclar elementos dispares de los 70 años de la historia de Batman -de lo camp a lo freudiano- a un ritmo demencial; y al mismo tiempo hace que parezca que todo tiene sentido, aunque precisamente nos esté hablando de la condición infinita del heroe de cómic. Todo esto sin que Batman pare de repartir sopapos. Lastima que Tony Daniel al dibujo no sea la mejor opción.
El Gótico
Los zombis siempre han estado muy cerca de lo político. En los treinta, representaban a la masa empobrecida, a los trabajadores explotados por el capitalismo en falla. Tras la sacudida que le dio George Romero al género, se convirtieron en la forma de canalizar el miedo al Otro, en expresar los peligros del militarismo o evidenciar el consumismo rampante de nuestras sociedades. En cambio, los zombis de Ruben Fleischer sirven un propósito más microscópico, pero por ello más relevante para nuestra generación agobiada por cataclismos sentimentales: Mostrar el drama que supone crecer, madurar, hacerse mayor. La postadolescencia puede ser tan terrorífica o más que una manada de zombis. La rubia intocable que siempre deseaste puede querer devorarte. La morena renegada puede convertise en la Eva con la que repoblar la especie. Zombieland debe mucho a Shaun of the Dead, es cierto, aunque sus zombis juegan más por ausencia que por acumulación, hasta hacerse por largos periodos invisibles. Pero el humor, la socarronería y las hostias se reparten con la suficiente alegría y frecuencia como para hacer de esta comedia zombi una delicia para cerebros líquidos y hambrientos como los nuestros.
Dr Zito
Exploración del vacío existencial ante la aterradora certeza de una vida sin sentido en la que Dios se manifiesta a través de los desvaríos de una joven esquizofrénica como una figura aterradora. Ejercicio de creación en la que ésta se plantea como la única manera de trascendencia e inmortalidad posible. Visita al intermundo onírico en el que se diluyen las fronteras del sueño y lo real, llevándonos a los conceptos lacanianos en los que el acercamiento hacia el verdadero tejido de la realidad muestra, de hecho, el horror en toda su inmensidad: El horror de la no existencia de salvación. El amor desinteresado, en lo interpersonal, como el único motor vital capaz de proporcionar una razón de ser y un sentido a nuestra triste y efímera existencia. Espacios metafóricos como la isla, la habitación, el barco embarrancado o el teatro que definen el ser de los personajes y actúan como catalizadores de sus emociones. Un breve hilo argumental excusa para los atormentados dilemas existenciales de Bergman. Una pequeña obra sublime.
Milgrom
En los 90 surgió una tendencia, dentro de un género de terror que agonizaba, empeñada en deconstruir a golpe de brocha gruesa y cobardía mainstream a sus antecesores fílmicos. Si hay una película que sobrevolase por encima de toda la masa mediocre de obras que intentaron reinventar la ironía, es ésta. John Waters firma un guión hilarante que pervierte tanto los cánones de varios géneros como los de la América de Norman Rockwell, y lo dirige con un pulso e imaginación desbordantes. En él, Kathleen Turner recrea -magistralmente- a la asesina en serie que una sociedad tan superficial y deshumanizada como la que le rodea se merece. Un entorno amoral arraigado en unas costumbres mecánicas y vacías, donde la verdad pesa menos que la reputación políticamente incorrecta de quien la dice. Así, mientras Waters parodia los roles y mecanismos del slasher, nos muestra también un mundo de sonrisas forzadas y perversiones a puerta cerrada que, cómo no, es un reflejo. Y es que con el tiempo, Waters ha aprendido que para provocar hasta la médula no es necesario que alguien se coma una mierda. Basta con que una maruja incendie a un adolescente pajero.
El Gótico
Park Chan-Woon regresa tras la incomprendida I’m a Cyborg, y lo hace explorando de nuevo las relaciones malsanas, la culpa, la necesidad, la dependencia de aquellos que nos hacen daño, como ya hacía en su Trilogía de la Venganza, pero esta vez utilizando el vampirismo como metáfora de aproximación, y dentro de unos parametros costumbristas, como tambien ocurria en Let the right one in. Park nos ofrece ríos de humor negro, negrísimo, (en contraste con la gravedad de Ferrara en The Addiction), múltiples momentos de sexualidad tórrida, en la línea de Oshima o de La Venganza es Mía de Imamura, y sangre, mucha sangre, que se convierte en la moneda de intercambio en la relación enferma, dañina y pasional entre un sacerdote atormentado por su vampirización y una joven cenicienta encantada de convertirse en la encarnación del mal. El conjunto, pausado y crepuscular, destila un romanticismo post-romántico, de ese que se construye sobre la constatación de la realidad, y culmina con un plano final de los más bellos y emocionantes que hayan podido verse en una sala en mucho tiempo.
Dr Zito
La primera parte de REC era un ejercicio humilde de género, que, aunque más que correcto, se engrandecía al ser añadido eso de: “para ser cine español…”. Eso no debería ocurrir con REC 2. Aquí las cartas ya están sobre la mesa y solo se puede salir airoso de una manera: siendo consciente de su condición de secuela excepcionalmente comercial. Llevar la intensidad, el artificio y el cachondeo barroco al límite. Así, con un encantador perspectivismo múltiple -que se mea en la polémica del formato cámara al hombro- se provoca la ruptura con las propias reglas y con las del género mismo, creándose en primer lugar un discurso metalingüístico: el contraste hiperrealista en lo formal contra esos juegos de género y homenajes varios. En definitiva, contra ese giro desquiciante a un fantástico inconexo en lo argumental -con ambas vertientes fusionándose en la interpretación-. En segundo lugar y de manera maravillosamente costumbrista y única, la consecución de la identidad propia de un icono universal del terror. Y es que el zombie patrio, el zombie que aun bate huevos para hacer tortilla, es católico.
El Gótico
Rareza dentro del cine español, esta obra aborda desde un punto naturalista y antropológico la figura de Romasanta, autodenominado lobisome y famoso por una serie de crímenes durante el siglo XIX en los bosques galaico-leoneses. El licántropo, visto como enfermo mental, es aquí Benito Freire, buhonero y caminante interpretado por un José Luis López Vázquez inconmensurable en su sobria y contenida actuación. Pedro Olea no plantea en ningún momento la realización de un producto de género, ya que sabe que acabaría restringiendo su propuesta, todo y saberse deudor de ciertas convenciones. Su virtud es mostrar los hechos con la objetividad y sobriedad propia de un viajero externo a las leyendas y miedos propios de la Galicia de inicios del siglo pasado y que se asoma a esas tradiciones con curiosidad científica, lo que acerca al espectador a la representación y puesta en escena de Olea como ejemplo de documento verídico, o de gran verosimilitud si se prefiere, de unos hechos que están muy presentes en el folklore de la zona.
Milgrom
William Hope Hodgson es uno de esos escritores que tiene todas las papeletas para ser relegado al ostracismo. Con suerte, se le puede oír enumerado como antecesor e influencia de Lovecraft, aun siendo el irlandés mucho mas fluido y fundacional que el loco de Providence, al poseer esa agilidad narrativa que confiere la vida azarosa y marinera frente al acartonamiento academicista del que no sale de Nueva Inglaterra. Los Botes del “Glen Carrig” resulta un buen ejemplo de todos los elementos afines a la obra de Hodgson: las aventuras marinas; los pecios solitarios; el ambiente onírico de unas tierras, criaturas y comportamientos tan ajenos -con esos protagonistas sin pasado, irracionalmente obligados a sobrevivir-, tan estilizado que podría pertenecer al ámbito de la ciencia ficción si se cambiase ese mar desconocido, interior, por el espacio insondable; así como la fisicidad de las amenazas que forman parte de una naturaleza corrupta y repugnante -y que le postulan como una de las primeras influencias de “la nueva carne”-. Aún renqueando en su tramo final, inevitable, dado el agobiante arranque de que hace gala la obra, resulta imprescindible para comprender de donde salen muchos de los elementos del terror del siglo XX.
El Gótico
No queda claro si Boris Vian, que publicó varias novelas haciéndose pasar por traductor de un alter ego afroamericano llamado Vernon Sullivan, -al que incluso llego a entrevistar, mostrando lo que luego sería llamado posmodernidad- era un genio entregado a las artes y vanguardias o un tocapelotas hacia todo lo decoroso del París de la posguerra. Quizá ambas. Dentro de ese ciclo Sullivan, esta novela, parodia erótica de la serie negra en particular y pastiche de todos los temas del por aquel entonces ya renqueante pulp americano en general, es un desfase del copón. Escrita de una manera conscientemente simplista, todo rezuma papel barato y risotadas de fondo. Un éxtasis continuo de aventuras, y hasta saltos en paracaídas, donde el apolíneo protagonista aparta hembras desnudas a pares para mantener una autoimpuesta castidad mientras descubre el plan maligno de un mad doctor del montón, hasta revelar al lector una gran verdad: si no existiesen los hombres feos, los guapos no lo serían. O cómo Vian dejó claro en otra de sus obras: Con las mujeres no hay manera.
El Gótico
Remake cargado de una pretenciosa carga metafísica y filosófica, cercana en algunos puntos a los planteamientos de Blade Runner y, por ende, totalmente alejada del artefacto de consumo kitsch que fue la serie original. Tal propósito parte de un riesgo, que si está bien planificado, acaba dando como resultado auténticas obras a recordar, pero que si parte de la improvisación (Ronald D. Moore, creador de la serie, afirmó que iban escribiendo el guión sobre la marcha en base a las acciones que iban realizando los personajes en cada episodio) y de una visión particularmente reduccionista del planteamiento místico-religioso (Moore es mormón confeso como Glen A. Larson el creador de la serie original y productor ejecutivo del remake), el resultado es un quiero y no puedo. Battlestar en su conjunto no es una mala serie, las batallas estelares son las más espectaculares que jamás se han hecho para televisión y las preguntas que plantea son aquellas que realmente debería presentar una buena trama de ciencia ficción. Pero una gran cantidad de episodios de relleno y cargados de un aura a la Solaris tarkovskiana, nos dejan la sensación de que es una serie que usa la carga filosófica y metafísica como una manera impostada de apelar al espectador.
Milgrom
Uno de los últimos reclamos del cómic mainstream americano es traerse escritores serios. Parece que cualquiera que escriba manuales de instrucciones puede hacer tebeos, que son algo muy accesible. Pues no. Denise Mina no atina con Hellblazer. Su historia acerca del cínico Constantine a vueltas con una maldición de obligada empatía, aun con los elementos habituales de la serie, incluso con conceptos meritorios, resulta demasiado impostada como para dejar a los personajes moverse con soltura. Mina no sabe escribir cómic book de 24 páginas, no conoce la estructura ni el formato, no sabe cuándo dejar o quitar responsabilidad al dibujante (un Leonardo Manco competente pero de trazo confuso). No está, en definitiva, acostumbrada a un medio que combina tantos elementos literarios y pictóricos, y que no era tan accesible como parecía.
El Gótico
![Call of Juarez Bound In Blood Repack [ENG]_thumb[3]](http://microcritic.files.wordpress.com/2009/09/call-of-juarez-bound-in-blood-repack-eng_thumb3.jpg "Call of Juarez Bound In Blood Repack [ENG]_thumb[3]")
Precuela del shooter aparecido hace un par de años, en el que nos poníamos en la piel de un par de personajes arquetípicos del Oeste. En esta ocasión Techland, la compañia que lo desarrolla, hace una muy buena labor mejorando aquellos aspectos que ya destacaban en el primer juego, añadiendo mucho más realismo y espectacularidad en el apartado gráfico. El principal escollo lo encontramos en que el juego se apoya demasiado en la soberbia ambientación dejando el apartado de jugabilidad un poco más de lado, con una excesiva rigidez de movimientos y escasa libertad de acción, exceptuando determinadas escenas y misiones secundarias. Es en el guión y en el desarrollo de la historia donde encontramos los principales motivos para seguir adelante en la búsqueda del tesoro de Juárez, como si de un spaghetti-western de Corbucci se tratara. Las mejoras en el sistema de duelos respecto a su predecesor, el incremento de la espectacularidad en los “bullet-time” y un excelente trabajo gráfico, excepto algún pequeño error en algún framerate, consiguen hacer, de este Call of Juarez Bound in Blood, un excelente shooter, alejado de las típicas ambientaciones.
Milgrom
