Mario Cotos Franck
Noel
Dr Zito
Alex Peig
MicroCritic
El Gótico
Sergio Colmenar
Frunobulax
Henrique Lage
Un poor man’s Jason Bourne al servicio de Angelina Jolie, servido con intachable solvencia por el viejo Phillip Noyce, cineasta ya curtido en política-ficción y espionaje de altos vuelos. Y esa solvencia -prudencia si así lo prefieren- se desvela incapaz de alzar un argumento de lo más anacrónico: célula durmiente de agentes del KGB dispuesta a terminar con la supremacía de los USA desde la propia CIA. La sensación de déjà vu es constante, no podía ser de otro modo. Dejando de lado el exhibicionismo físico de Jolie y la embriagadora presencia del gran Liev Schrieber, el único -y aún así muy cuestionable- aliciente está en una serie de action pieces desvergonzadamente deudoras del estilo que Paul Greengrass instauró desde sus films sobre el personaje de Robert Ludlum. Incluso trata de emular aquel tono sombrío y pesimista que cubría “The Bourne Supremacy”. Se agradecen, eso sí, una narración fluida y un metraje breve, sólo ensombrecidos por unos giros de guión tan alucinados como la misma premisa del film. Ese retorno imprevisto a los miedos de la Guerra Fría llega a hacerse especialmente irritante, más todavía la posibilidad -eso parece apuntar su conclusión- de una futura secuela.
Mario Vírico
La libertad de movimiento a lo largo de paisajes extraordinarios en tomas increíblemente largas se ha convertido en un rasgo con el que identificamos algunas de las películas rusas, establecido por Tarkovski, Kilmov, Sakurov o la aventura esteparia de Kurosawa. Cuando Alexei German Jr. se plantea el desarrollo de su “Soldado de papel” como un anacronismo, es inevitable recordar los tiempos en que los rusos diferenciaban su cine por la capacidad de contrastar la introspección de sus personajes con la majestuosidad de su entorno, siempre bajo la elegancia de una cámara que flota alrededor de un mundo de una eterna coreografía. Pero aunque sería fácil considerar que esta historia sobre la ética – la profesional y la amatoria – en tiempos de los primeros cosmonautas, reflejan el glorioso legado cinematográfico que le precede, tampoco nos sorprende encontrar atisbos de Antonioni en esas parejas privilegiadas, entrando y saliendo de un plano en constante movimiento, haciendo de sus juegos infantiles una máscara de todos sus demonios internos. German crea así una obra rabiosamente clásica, inundando cada secuencia de una atmósfera que envuelve y se pega al corazón, con la amenaza de un cielo inalcanzable y eternamente gris.
Henrique Lage
A simple vista, “Toy Story 3: el videojuego” divide su acción en un modo historia y un modo sandbox – ingeniosamente renombrado toybox – pero habría que especificar: el modo “historia” se aleja de la trama original de la película para pasar a ser un relato narrado – y por tanto, modificado y exagerado – de dicha trama, centrándose más en los aspectos imaginados, como la secuencia que abre la película, o en los momentos más triviales, que en el núcleo de acción de su versión fílmica e incorporando elementos coleccionables; mientras tanto, el modo “toybox” acumula misiones ridículamente sencillas, centradas sobre todo en personalizar la ciudad donde tienen lugar dichas misiones y a sus habitantes, y las combina con minijuegos de conducción, vuelo y plataformas de dificultad más elevada y un sistema de recompensas por logros y secretos. Todo ello hace del juego un simpático entretenimiento para los más pequeños y un reto privado para el adulto un poco más exigente, con el mismo espíritu que la película de Pixar transmite, el del puente entre los nuevos sistemas de juego y los nostálgicos de los 16 bits.
Henrique Lage
Con casi total seguridad, The last airbender será el Waterloo de M. Night Shyamalan. Es difícil encontrar otro caso de un director de semejante pedigrí tan empeñado en desintegrar todos sus logros. Donde antes desplegaba un dominio magistral del tempo (Signs), una capacidad para crear imágenes formidables (The Happening) y una profundidad de análisis de personajes destruidos interiormente (Unbreakable) Shyamalan ahora ofrece tan solo un sobado retrato de un mesías reticente a lo Paul Atreides, una estupenda pelea filmada en plano secuencia y una bien resuelta lucha nocturna que en ningún caso justifican un metraje por lo demás inane y que puede verse como un híbrido entre una versión orientalista de The Two Towers (con escenas calcadas del asalto a Helm’s Deep) y un episodio de Las Aventuras de Hércules. Lastrado por el uso de un caduco CGI, por un abuso de las ralentizaciones a la 300, una espiritualidad rechinante y unos personajes bobalicones hasta la náusea, The last airbender encapsula todo lo malo de Shyamalan dejando espacio para muy poco más. Firmado por otro director, el abismo de interés que representa podría dejarnos indiferentes. Pero viniendo de quien viene, se convierte en una ofensa.
Dr Zito
La primera etapa de Vargas Llosa sin duda es la de mayor calidad para el crítico literario. Las novelas que abarcan hasta finales de los 60 del autor peruano armonizan realismo social y maestría formal a la perfección, logrando proclamar un fuerte mensaje de compromiso ideológico sin dejar de jugar -e incluso hacer cabriolas- con la estética del lenguaje. Entonces empiezan los 70 y aparece Pantaleón y las visitadoras. Y es una comedia. Vargas Llosa abandona la solemnidad inherente a la narrativa de denuncia social y, a partir de unos pocos capítulos novelescos, estructura un pastiche de documentos oficiales, programas de radio y artículos de periodicos -formas facilmente parodiables- para hablarnos de la doble moral y la hipocresía, clásicos temas recurrentes de la sátira. Todo con una excusa bien simple pero llena de contraste, los soldados abandonados en los puestos fronterizos de la jungla necesitan follar, y como no les dejan, violan; el ejercito tiene que hacer algo, pero sin que se note. Excelente propuesta que aunque no alcanza la perfección, por ser la primera tentativa de un autor al que le costó bastante asumir el valor del humor en el discurso, es bastante recomendable.
El Gótico
Tras Two lovers, resulta muy interesante echar la vista diez años atrás y visitar The Yards (locamente titulada en España como La otra cara del crimen), la película que situó a James Gray en la lista de directores estadounidenses a seguir con devoción. Esquivo e independiente, ajeno a las modas y las tecnologías, Gray, junto con Matt “Cloverfield” Reeves, compuso en The Yards una tragedia griega ambientada en el patio trasero del Nueva York, ese que no es glamuroso ni miserable, el de las familias humildes, el de los trabajadores de metro, para pintar en el proceso el gran fresco de la corrupción política entreverada de rivalidades entre hermanos de sangre, amores prohibidos, furia, celos, codicia, sufridos por unos personajes condenados a una huída hacia adelante, condenados por su propia naturaleza, personajes que se mueven entre los claroscuros a lo Caravaggio fotografiados por ese titán de la luz que es Harris Savides, sostenidos estáticos y en vilo en las composiciones medidas y serenas típicas de Gray. La trampa se cierra, la atmósfera se hace irrespirable y, cuando termina, alcanzamos a ver que The Yards es un clásico sobre la inevitabilidad y la desgracia.
Dr. Zito
Christopher Nolan ha tenido la posibilidad de estar en el momento adecuado y en el tiempo indicado; convendría entenderlo primero como el icono de auteur británico que sirve a Hollywood de legitimización de sus blockbusters, una forma de justificar cierta inteligencia y talento entre los grandes presupuestos. Pero más allá de ser cabeza de turco, Nolan tiene la malicia de encajar como un guante en ese ambiente: él también parece querer justificarse en cada una de sus películas, ya sea mediante lecciones morales, diálogos autoexplicativos y la tendencia de sus personajes a situarse como arquetipos sospechosamente parecidos. “Origen” no rompe esta tendencia pero aporta algo más interesante: la suficiente habilidad como para entender sus referentes – lo que supone “originalidad” para quién ignora estos – y reciclarlos con cierto estilo para todos los públicos. “Origen” es, como las películas de James Bond, la excusa para hilvanar secuencias con las que impactar a la audiencia, pero hay que reconocer que dicha excusa es lo suficientemente interesante para que la suma de las parte deje cierta impronta pese a la mala adaptación de Michael Mann que hay detrás de cada escena de acción.
Henrique Lage
